Oui, je sais, j’ai pompé le titre à Focus Numériques qui l’a utilisé dans cet article qui regroupe quelques techniques de « développement » avec Lightroom, aisément transposables dans des logiciels concurrents. A ma décharge, c’est parce que je me suis mis en tête de faire une mise en pratique sur cette pauvre image prise l’été dernier à Ronda, en Espagne.

Comme vous pouvez le constater sur le avant-après ci-dessous (passez la souris sur l’image pour voir la différence), cette photo a totalement changé de dynamique en une petite dizaine de minutes de travail (Je n’inclue pas les tâtonnements tout en me demandant si j’arrêterai un jour de tâtonner, ne serai-ce qu’un peu)

 

Puis, les ajustements suivants :
- utilisation du mode « tonalité automatique » qui a corrigé l’exposition (que j’ai ensuite encore augmentée) ajouté des noirs (que j’ai ensuite baissés) et de la luminosité.
- Très léger ajustement de la balance des blancs (réglée à partir de la partie ensoleillée d’un des fauteuils) :
- un filtre gradué augmentant encore l’exposition de la partie basse (table et les chaises, le dégradé se faisant essentiellement sur le mur)
- une réduction de la luminance des bleus (ciel) et des oranges (clocher en arrière plan) et accentuation du magenta (nappe)
- une accentuation de la saturation des verts et un poil du magenta.
- le pinceau de réglage a également permis d’ajouter un peu de couleur au clocher et aux toitures et d’augmenter la clarté des verres (pas sûr que ça serve vraiment à quelque chose)

Comme le précise l’article dont je vous recommande la lecture, il faut avant tout prendre une bonne photo, techniquement parlant, c’est à dire nette et avec un maximum d’information récupérable. Dans ce cas, il n’y a plus d’information dans l’arbre, tout bouché, mais c’était l’idée d’origine. Le post-traitement a servi à mettre en avant cette terrasse ombragée, havre de repos dans la chaleur de cette journée d’été ensoleillé du sud de l’Espagne.

Réussi ou non ? Je vous laisse juge.

Ceux qui me suivent sur flickr auront sans doute vu passer un certain nombre de photos de cette série réalisée un jour pluvieux de Toussaint au cimetière Saint-Vincent à Montmartre (Paris). Vous pouvez d’ailleurs la retrouver en partie en suivant ce lien. En partie seulement car certaines photos sont inédites ici ; c’est le bonus pour ceux qui lisent en plus de regarder.
Mon idée n’était d’ailleurs pas, à l’origine, de faire une série cohérente. Voici pourquoi et comment j’en suis venu là.

L’idée

- Tout d’abord, l’ange que je vous montre ci-dessous, que j’avais initialement prévu pour une image low key, qui a fini en high key à cause de moi qui ait oublié qu’un low-key, c’est mieux avec un fond sombre. Je vous propose d’ailleurs de passer la souris sur l’image pour avoir une vision du « avant-après ».
- Ensuite, ce ciel à la fois nuageux et lumineux se comportait comme une immense boite à lumière posée sur Paris. Conséquence photographique : lorsque le ciel n’était pas cramé, on ne pouvait rien y récupérer qu’un gris pâle et uni sans aucun intérêt.
- Enfin, cette ballade s’est faite dans une ambiance particulière, très apaisante – ce qui est notable en plein Paris – et il semblait normal que les photos gardent la cohérence du moment.

Un peu de développement

Une fois l’ange travaillé, j’ai répliqué – et ajusté – les réglages sur une image mieux exposée. C’est elle qui m’a ensuite servi à dupliquer l’effet sur Lightroom en utilisant le bouton « Synchroniser ».
Accessible lorsque vous êtes dans la Bibliothèque, il permet de transposer les réglages de la photo affichée sur toutes celles qui sont sélectionnées à ce moment là. Il ne restait plus qu’à ajuster le rendu sur une ou deux images… et à accepter d’en éliminer d’autres.

En effet, le problème lorsque l’on n’a pas d’idée préconçue au départ, c’est que toutes les photos ne sont pas faite pour supporter un passage en bichromie, surtout lorsqu’on l’a justement prise… pour ses couleurs.

J’aime / J’aime pas

Les séries me laissent encore une impression étrange d’inachevé car je ne peux pas être content de toutes les images, mais que je ne peux me résoudre à éliminer certaines parmi les plus faibles. A l’unité, il est plus aisé de s’en détacher.

J’aime néanmoins avoir réussi à donner une certaine unité dans l’ambiance (même si je ne suis pas totalement satisfait). Les plus observateurs d’entre vous verront d’ailleurs peut être des différences de traitement avec certaines publiées sur flickr.

Enseignements

- Un ciel nuageux, ça va, mais quand il est lumineux, c’est difficile.
- L’idéal est de prévoir le rendu final de ses images afin de photographier en conséquence et éviter des déchets regrettables.
- Dupliquer un effet sur Lightroom, c’est pratique, mais pas suffisant.

Je vous laisser regarder. Qu’en pensez-vous ?

Voici une image prise un soir de neige à la gare Saint-Lazare, à Paris. Les EXIFs sont formels ; il était 1h09 le matin et la pendule de la gare, au fond, est d’accord.

Comme d’habitude (mais on perd vite l’habitude sur un blog silencieux aussi longtemps) vous pouvez faire glisser la souris pour voir l’image originale après recadrage.

Histoire : C’est vraiment le dernier train et d’ailleurs, je ne devais pas aller à Saint Lazare, mais la gestion de 10 cm de neige en région Parisienne m’a incité à ce changement de destination. Contrairement aux autres passagers, je suis remonté vers l’arrière du train, ce qui m’a permis de prendre cette photo, une fois que tout le monde a été parti.

Prise de vue : Le cliché a été pris à main levée, en mode priorité à l’ouverture. J’ai un peu de mal à gérer mes flous de bougé avec mon nouvel objectif ; je fixe donc la valeur d’ouverture lorsque je suis en faible luminosité. Ici 1/80 s. ce qui est plus que suffisant avec 17mm, même en APS-C. Le réglage est loin d’être idéal car j’avais baissé mon exposition de -2/3. J’aurai certainement eu intérêt à baisser les ISO à la place pour gagner en netteté. Enfin, j’avais mon pied avec moi, que je venais juste de le replier… Ah, la flemme.

J’aime : La neige et l’éclairage forment un tout un peu mélancolique qui invite à la réflexion. Ce n’est pas simplement vide ; il y a des traces de passages qui s’éloignent manifestement. La courbe, quand à elle, cache le bout du quai, et par là même le destin des passagers.

Post-Traitement : Le format carré s’est vite imposé pour mettre en avant la lumière sur la neige, ce qui était mon idée d’origine. J’aurai aussi pu faire une image de gare plus générale ou insister sur la petite tour éclairée au fond. Il a par contre été plus délicat d’amener suffisamment de contraste car la ville lumière porte bien son nom : même en pleine nuit, on peut faire des images pas assez contrastées… L’objet étant le contraste entre l’ombre et la lumière, le noir et blanc était une évidence.

Truc : Quand il neige, on protège plus facilement son appareil derrière un pli de manteau, mais on peut avoir tendance à oublier de l’essuyer. Par ailleurs, le pare-soleil représente une très efficace protection contre la neige au moment de la prise de vue.

Voilà. Vous pouvez retrouver d’autres commentaires que le mien ici sur flickr.

Je vous adresse mes meilleurs voeux pour 2013, une année à l’image de cette photo ; Nuageuse, mais lumineuse, aux flots calmes mais vivants, et belle même si, à l’instar du clocher de Burano, tout n’est pas très droit.

La pose (et non « pause » ; on n’est pas là pour se reposer) consiste à augmenter le temps d’ouverture. Si elle est le plus souvent utilisée pour faire des photos dans un environnement sombre, elle a bien d’autres utilités. Le corollaire immédiat, et que lorsque l’on augmente le temps de pose, ce qui bouge est flou. Et si c’est le photographe qui bouge, c’est la photo qui l’est.

A l’occasion de mes premières tentatives de poses longues, voici quelques notes sur cette pratique.

En pose longue, le pied est généralement obligatoire, à moins de vouloir un effet particulier. Lorsqu’il y a du vent, il est même recommandé de lester son pied. Certains pieds sont même dotés d’un crochet qui permet d’y attacher quelque chose pour cet usage. Vous avez un sac photo lourd comme un parpaing ? Il fera bien l’affaire.

La photo de nuit.

Le premier avantage de la pose longue est de pouvoir faire des photos comme celle ci-dessus.

De nuit, on est généralement obligé de photographier à pleine ouverture en montant les ISO afin de rester dans les limites de vitesse d’obturation permettant d’éviter le flou de bougé. On considère qu’un objectif non stabilisé peut éviter les flous de bougé si la vitesse d’obturation est au moins égale à 1/x ème de seconde, ou x est égale à la focale. Dans le cas de la photo ci-contre prise avec un objectif équivalent 56mm non stabilisé, ma vitesse minimale serait de 1/60 s. (parce que 1/56 ne se fait pas) et c’est effectivement en dessous de cette valeur que mes photos sont plus volontiers floues.

L’image ci-dessus a été prise à 1,6 s. ce qui m’a permis de fermer un peu de diaphragme (voir ci-dessous quelques bonnes raisons de le faire) et surtout de baisser mes ISO à 100 pour obtenir une belle netteté. A 1/60 s et à pleine ouverture (f/2), l’appareil me proposait 2500 ISO, ce qui aurait donné à l’image un très léger flou, une fois traité le bruit numérique associé aux hauts ISO.

Le filé

Il est parfois intéressant de créer volontairement des flous. Vous pouvez par exemple vouloir créer des effets dit de filé, comme ci-dessous.

Les images que j’ai faites à ce moment là ont montré l’intérêt supérieur, non seulement d’avoir un pied stable, mais aussi d’avoir un environnement stable. En l’occurrence, j’étais sur un pont. Voyez-vous ce que ça fait lorsque passe un camion ?

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Le filé est un terme qui regroupe toutes les techniques utilisant le flou pour montrer un mouvement. Je vous propose de consulter ce tuto sur focus Numérique pour en savoir plus.

Sur l’utilisation de la pose longue de jour, il y a aussi ce tuto.

Flares et aberrations chromatiques

La pose longue permet également d’améliorer les flares nocturnes. Le flare est une aberration qui se produit à faible ouverture, lorsque l’on est face à une source de lumière. Les flares dûs au soleil peuvent être très recherchés, mais dans la photo précédente, c’est cette forme étoilée que la pose longue a permis d’obtenir en fermant à f/14.

J’ai aussi, sur mon appareil, des aberrations très spécifiques aux photos à pleine ouverture qui se résolvent en fermant le diaphragme. Si vous avez le même problème, voici une solution.

Cliquez pour agrandir

Rappelons aussi qu’un grand nombre d’objectifs aiment que l’on ferme un peu le diaphragme pour un meilleur piqué.

Le light painting

je n’ai malheureusement aucune image encore montrable sur le sujet. Je vous propose donc d’aller vous rincer l’oeil ici. mais le light painting peut aussi être utilisé pour « peindre » un sujet comme sur cette image d’Ubere au titre évocateur : « Qui a dit que faire du light painting était aisé ? ».

Le flash

Hé oui, on peut utiliser un flash en pose longue. Cette technique est encore en test chez moi, ce qui fait que je n’ai pas non plus d’images « montrables ».
Il s’agit ici de figer un mouvement en l’éclairant avec un coup de flash. Celui-ci étant très rapide, il permet de figer une image tout en gardant son environnement, ou même le reste du mouvement flou. Voyez un très belle application de cette technique dans cette photo (cliquez sur l’image pour la voir en grand dans la galerie Flickr de VitaminBéa) :

Je n’avais pas du tout prévu de poster cet article, mais je viens de passer deux heures sur cette image pourtant très innocente… en apparence. Voici l’automne et quand le soleil en a assez de tenter de chauffer un dimanche sibérien, ça donne ça.

Toutes les images ont besoin d’un minimum de traitement pour qu’elles rendent justice à ce que le photographe a voulu capter. Que ce soit fait par l’appareil ou par un logiciel.
Néanmoins, un peu plus d’implication n’est pas nécessairement préjudiciable et voici un exemple commençant par le fait que j’ai été confronté à un problème lumineux dans des branches (qui ne semble pas être une aberration chromatique : j’écrirai un article à ce sujet lorsque j’aurai fait quelques tests complémentaires, mais si quelqu’un a une explication ou un lien intéressant, qu’il me le fasse savoir) qui m’a amené à passer plus de temps que prévu sur cette image. En effet, cette anomalie est de plusieurs couleurs allant du rouge-orangé au mauve. Il faut donc un traitement localisé, précis et Photoshop sait très bien faire ça.
Tant qu’à y être, j’en ai un peu profité.

Voici l’image et son original : passez la souris pour voir la différence.

- Le calque « Légères retouches » supporte la correction de « spots » colorés d’origine inconnue (poussières sur le capteur ?) et à la suppression de plusieurs éléments : le pied de quelqu’un qui partait (rendu inutile ensuite avec le recadrage) à droite, un élément derrière un buisson (à droite aussi) et une fenêtre trop présente dans les algecos derrière les arbres,à gauche.

- Le calque « Homme » du dessus est celui sur lequel j’ai répliqué l’homme de gauche pour le faire disparaître.

Viennent ensuite les retouches localisées :

- La première éclaircit légèrement la statue avec les niveaux. Je ne suis pas certain que ce filtre soit le plus adapté, mais ça donne le rendu souhaité.

- La seconde assombrit l’arbre du fond, à l’arrière de la statue (luminosité et contraste).

- La troisième intensifie les noirs de l’ensemble de l’arrière-plan végétal (niveaux).

- Le filtre de Teinte/Saturation désature et éclaircit les couleurs correspondant à l’aberration des branchages. Comme ces couleurs débordent dans les oranges, il est important que ce filtre se situe avant les réchauffements. A noter que j’ai été paresseux sur ce coup là. j’aurai aussi pu faire trois filtres pour chacune des trois teintes dominantes.

- Le filtre réchauffant s’occupe de l’avant plan ensoleillée et des rares feuillages restants.

Et pour finir, les traitements globaux :

- Balance des couleurs pour réchauffer encore tout ça, notamment y ajouter du magenta. J’ai beaucoup hésité car on perd la sensation de froid et que c’est le moment ou j’ai ressorti les gants.

- Niveaux pour intensifier les noirs

- Et enfin la luminosité pour corriger l’assombrissement provoqué par le précédent.

Voilà. Peut mieux faire, comme toujours, et d’ailleurs c’est mieux que la dernière fois.

Il est possible d’acheter un tirage de cette photo sur RedBubble. Les formats disponibles vont de la carte postale au poster avec des possibilités d’encadrements variés.

Le grand classique des photographes est de proposer des « séries ». Untel a été primé pour son travail « truc et bidules » et l’autre présente son projet « machinchose ». Le point commun de tous ces travaux est de proposer une cohérence visuelle et c’est ce que j’ai essayé de faire avec ces images prises de nuit, dans les chais du château Guiteronde (Sauternes).

Le piège du post-traitement est que l’on cherche à intensifier l’émotion d’un moment. Cela peut mener à des images très différentes alors qu’elles ont été prises au même moment.
La logique d’une série est exactement inverse ; toutes les images, même prises individuellement, tendent à illustrer un même message (cas du projet artistique) ou rapporter un moment (cas du reportage) avec toutes les nuances existantes autour de ces objectifs. Une chose est certaine, il devient alors difficile – mais pas impossible – de proposer une photo noir et blanc ultra contrastée à côté d’images éthérées aux couleurs délavées.

Pour cette première série cohérente qui tend à rendre l’ambiance d’un moment chaleureux et nocturne, de travail détendu, j’ai tenté de conserver le juste équilibre entre l’émotion et la cohérence, tout en tentant de récupérer un maximum de photos de cette soirée à la lumière plutôt compliquée à gérer (spots halogène au mur et nuit noire). Je me suis pour cela parti de l’aspect – après traitement – de la photo qui sert d’illustration à cet article.

Je vous propose de découvrir ces images ci-dessous.

Ceci fait, je vous propose une petite ballade à la découverte du Château Guiteronde à la production de nature à ravir les amateurs de Sauternes (à ne pas confondre avec son homonyme en Bordeaux Supérieur dont je suis bien incapable de vous dire quoi que ce soit).

Ce qui devait arriver arriva ; j’ai réalisé ma première retouche beauté. Comme d’habitude, je suis fier de moi même si je trouverai le résultat désolant dans quelques mois. Comme l’objet de cet article n’est pas l’autosatisfaction du génie qui éclot devant vos yeux ébahis et que vous êtes, amis lecteurs, des commentateurs discrets, je vais tenter de réaliser l’exercice critique qui vous est traditionnellement dévolu.

Je tiens tout d’abord à remercier la photographe Ubere d’avoir bien voulu me prêter son autoportrait que vous pouvez retrouver ici sur sa galerie Flickr. Un autoportrait est par définition une œuvre personnelle. Si une autre personne le modifie, cela devient un portrait. C’est donc le portrait de son dos, photographié par elle et interprété par moi. Sa photo est magnifique et appelait ma frénésie d’apprentissage photoshopesque de toutes ses forces.

Voici l’image. Passez votre souris dessus pour voir l’original.

C’est beau hein ? Voyons ça plus en détail.

Tout d’abord, je me suis très largement basé sur ce tutoriel tiré la formation « Retouche Photo & Beauté avec Photoshop » (Elephorm) que je ne vous referai pas ici. Il est bien entendu que le tatouage, le fond et le kimono ont nécessité des ajustements et pas mal de pratique dans la manipulation des calques de réglages, sélections et autres masques.

	La peau. Je suis plutôt content de la peau. Il y a toujours un débat sur les grains de beauté (je les garde ou je les efface ?). J’en ai conservé un pour la beauté du geste (!) à la hauteur du tatouage. Il y avait par contre de grandes variations dans les textures et couleurs de peau qui m’ont fait souffrir. J’ai même fini par dupliquer l’épaule gauche pour la mettre à droite faute d’arriver à bien traiter cette zone ! Par contre, j’ai totalement raté mon rattrapage d’exposition dégradé : les reins sont limite surexposés. L’original ayant des zones surexposées en haut, j’aurai sans doute du préalablement lisser la luminosité de l’ensemble ou tout assombrir ou inventer un truc intermédiaire.
	Les détails. Par principe, j’ai simplement voulu atténuer les zones saillantes du dos, ce qui marche assez bien sauf dans le cas des traînées lumineuses le long de la colonne vertébrale que j’ai oublié ou qui se sont révélées plus tard et de l’omoplate gauche que j’aurai carrément du faire disparaître.
	La silhouette. Voilà un problème très philosophique que j’ai tranché assez vite. Je trouve cette silhouette magnifique la taille et des hanches sont bien définies, symétriques, je n’avais donc pas l’intention de retoucher pour la transformer en sirène anorexique. Alors pourquoi avoir retouché quand même ? Pour tout avouer, il me tardait d’utiliser pour la première fois l’outil fludité de photoshop… alors j’ai essayé d’y aller délicatement ; un peu plus ici, un peu moins là, sur les hanches, la taille, les côtes et les bras. Finalement, lorsque j’ai eu fini le traitement de la peau un peu plus tard (beaucoup plus tard, d’ailleurs, je m’y suis repris à plusieurs fois), je me suis félicité d’avoir redressé les irrégularités qui n’auraient pas été en phase avec le rendu final.
	Le tatouage. Là, il y a un peu de boulot, d’abord parce que j’avais des variations de carnation dans le tatouage que j’ai légèrement re-dessiné par endroits pour bien faire ressortir les détails. Ensuite, je l’ai détouré grâce à un masque afin de l’enlever de la sélection du dos, ce qui m’a permis de l’exclure des traitements de la peau (dont l’un est l’application d’un flou de forme tout à fait hors de propos à cet endroit). Le problème est que j’avais poussé la définition afin de bien y voir pour faire mon masque… et j’ai oublié de revenir à des valeurs normales, ce qui le fait ressortir exagérément.
	Le kimono C’était une autre forme de défi car je fais généralement ces traitements sous Lightroom, beaucoup plus ergonomique pour des réglages de ce type, mais j’ai l’impression de m’en être bien sorti. Et enfin, pour finir, un traitement ne serait pas de moi si je n’avais pas un peu poussé les noirs non ?

Voilà. Objectivement, le rendu final n’a rien de professionnel mais vous, ça vous plaît ?

Image très directement inspirée de cette photo de Fiona Haig.

Apprendre par cœur les règles techniques de la photographie est certes indispensable, mais ne remplace pas la pratique. Or, j’ai pu constater que cette pratique s’accompagnait d’une modification du regard, d’une évolution de l’appréhension de ce que l’on perçoit dans l’oeilleton de visée qui, grâce à notre bagage technique, nous permet d’accéder à plus-beau-que-la-fois-précédente.

Si la photo n’était que technique, elle ne serait pas de l’art. Le photographe amateur doit donc apprendre à reconnaître le beau pour le produire et pour cela, il faut faire évoluer son regard

Une photo s’analyse, mais se ressent avant tout. On trouve une photo belle avant de se demander ce qui la rend belle, avant de chercher le “qu’est-ce qui fait” que cette image est plus parlante qu’une autre. Pour comparer, pour ressentir d’autres choses il faut aller à la découverte d’autres visions. Il faut alors sortir de sa propre production à la fois égoïste et timide, se balader d’expo photo jusqu’à Flickr ou tout autres site gorgé d’images ou trouver celles que l’on aimera.

Ouvrez un compte, juste pour y noter vos photos favorites. Ensuite, vous essaierez de comprendre pourquoi vous les aimez. Objectivement ; c’est chiant. Alors comment y prendre plaisir ?

Mon truc est de commenter les images des autres et de lire les autres commentaires. Il y en a toujours un pour dire ce que vous auriez voulu dire sans trouver les mots. Commentez ; vous ne serez jamais plus ridicules que celui qui écrit “Outstanding picture”. Aimez-vous le cadrage, la lumière, l’histoire racontée, le bokeh etc… dites ce que vous aimez par ce que pour l’écrire, il faut non seulement le savoir mais aussi savoir le nommer (en anglais aussi, tant qu’à faire). Et si vous savez dire que cette photo est belle grâce à sa lumière, vous ne regarderez déjà plus la lumière de la même façon.

Cette image a été obtenue grâce aux photos sombres de Loïc C.

Progressivement, vos photos essaieront ce cadrage ou cette composition que vous avez aimé. Vous fermerez un peu pour obtenir ce bokeh et pousserez vos traitements pour copier ce rendu. Vous tenterez une composition, ferez attention à la lecture de l’image. Vous deviendrez plus exigeants parce que vous aurez fait mieux que ce que vous avez aimé et plus compétents parce que vous aurez essayé quelque chose de nouveau que vous sauriez refaire (et j’oublie presque volontairement le “vous rêverez devant cet objectif qui a ce piqué/bokeh/luminosité si extraordinaire”).

Vos photos favorites évolueront. Votre regard aussi. Un jour, vous comprendrez pourquoi quelqu’un dit “Wouah, quel piqué !” pour cette photo moche. Parce lui, c’est ça qu’il aime à ce moment précis de sa vie. Un jour, un photographe que vous admirez mettra une de vos photos en favori parce que votre regard, à son tour, lui aura plu. Vous aurez franchi une étape gratifiante de cet apprentissage au potentiel infini.

Voici une image qui montre comment on peut passer du temps à travailler un détail au service de son intention. A première vue, l’image d’origine met en valeur la différence de style entre ces deux silhouettes de femmes, en utilisant la colorisation sélective sur la plus attirante des deux. Mais pour en arriver là, il a fallu plusieurs étapes et un peu plus de retouche que cela.

Tout d’abord, je vous propose de prendre connaissance des étapes successives en passant votre souris sur l’image ci-dessous.

Etape 1 : L’intention du photographe

Mon sujet consistait à mettre en place un contraste entre deux silhouettes féminines en mettant l’accent sur celle qui paraît la plus jolie (vêtements dévoilant les formes, démarche sexy…). Les colonnes du pont Bir-Hakeim sont elles-mêmes très photogéniques et guident le regard par leur perspective. Pour arrêter le regard au niveau des passantes, j’ai choisi d’utiliser la colorisation sélective.

Etape 2 : Préparer l’image

Lorsque l’on veut mettre l’accent sur une jolie silhouette, il faut encore qu’elle soit jolie. Le problème des vêtements serrés est qu’ils peuvent provoquer des formes disgracieuses que la nudité masquerait.
La première étape a consisté à traiter l’image sous Photoshop pour déformer la taille et la hanche de la jeune femme afin de l’amincir un peu. L’opération m’a fait perdre du grain (la photo est sortie à 3200 ISO ; j’avais un peu trop fermé) que j’ai donc ajouté sur les parties déformée avec l’outil correcteur, afin d’avoir un traitement homogène lorsque je l’éliminerait. Pour de combler le trou laissé par les bourrelets, j’ai utilisé les colonnes d’un autre cliché (qui n’avait pas non plus le même grain, ce que j’ai pu corriger avec le filtre grain).

Etape 3 : Appliquer la colorisation sélective

J’ai enfin pu détourer ma passante et appliquer un filtre noir et blanc au reste du cliché. Je me suis arrêté là pour Photoshop car je souhaitais faire le reste avec Lightroom (un petit challenge à moi-même)

Etape 4 : Traitement de l’image

Après un recadrage plaçant les fesses de la passante de gauche sur un point chaud (intersection des lignes de tiers), j’ai cherché à rendre l’image plus esthétique et à faire ressortir tant les couleurs que la profondeur.

Etape 5 : Recadrage final

Je me suis alors rendu compte que le cadrage nuisait à mon sujet et que la colorisation sélective était suffisante pour porter l’attention sur la passante de gauche. J’ai recadré en centrant mon image pour n’avantager aucune des deux.
J’ai également adouci les couleurs beaucoup trop contrastées, surtout lors de l’export en JPG.

Conclusion :

Traiter indifféremment le noir et blanc et la couleur n’est pas idéal. J’aurai tout de même eu intérêt à traiter les deux séparément via des calques de réglage sous Photoshop pour éviter de faire un choix intermédiaire sur le contraste.

Exif : Canon EOS 600D, Canon EF 75-300mm f/4-5,6 USM (prêté) à 140 mm, iso 3200, f/14, 1/250s, -2/3EV.